«В экспозициях на «музыкальную» тематику может быть интересно не только увидеть мемориальные вещи композитора, но и погрузиться в мир произведений, творческого замысла», — Ирина Кирюхина в интервью для портала «Музыкальные сезоны». Автор записи: Марина Абрамова.
С 10 по 12 ноября в Санкт-Петербурге прошел постоянно действующий дискуссионный проект Форума «Культура 2.0»: блок просветительской и образовательной программ. Центр внимания дискуссий, мастер-классов — современные технологии в культуре. Предлагаем вашему вниманию интервью с Ириной Кирюхиной, директором по развитию бюро музейной сценографии «Метаформа».
— Ирина, здравствуйте! Кого можно назвать родоначальником такого понятия, как «музейная сценография» у нас и в мире?
— Уве Брюкнер, проектировщик с мировым именем, определяет музейную сценографию как «науку о создании говорящих пространств». Вообще используется множество терминов для обозначения процесса создания экспозиций — «музейное проектирование», «музейный дизайн», «интерпретативный дизайн», «нарративное проектирование» и другие. Понятие музейной сценографии предполагает, что экспозиция является цельным организмом, где все слои (предмет, текст, свет, медиа) взаимосвязаны и оказывают влияние на посетителя. Как метод музейная сценография менее актуальна для художественных музеев, где ценность объектов безусловна, и более актуальна для музеев, чьи объекты и сюжеты требуют интерпретации, создания дополнительных образов и раскрытия контекста.
— Что нового в данное направление привнесли отечественные специалисты? Приведите, пожалуйста, пример.
— Восприятие экспозиции как единого произведения не ново. Например, образно-сюжетный метод, ярко представленный Тарасом Поляковым еще в конце 20 века, породил множество ярких экспозиций. Одна из них — экспозиция Музея Маяковского в Москве рассматривается специалистами как самоценный художественный объект, который требует своей музеефикации.
— Наш разговор готовится для сетевого издания «Музыкальные сезоны». Приведите пример использования музыкального контента в создании музейной экспозиции, выставки.
— В экспозициях на «музыкальную» тематику может быть интересно не только увидеть мемориальные вещи композитора, но и погрузиться в мир произведений, творческого замысла. И, конечно, услышать звуки музыки, проникнуть в суть этого явления. Например, в Музее Шопена в Варшаве благодаря зонам с направленным звуком можно услышать произведения композитора, не отходя от витрин с подлинными предметами. В Музее музыки в Москве — узнать все о физических аспектах звука. Звук — сильнейший инструмент эмоционального воздействия на посетителя и в музыкальных музеях он абсолютно органичен.
— Существует ли разница в восприятии новых решений музейной сценографии старшего поколения и молодежи? Чем довольны/не довольны одни и другие?
— Я бы не делила аудиторию по возрасту — посетителям любого возраста хочется, чтобы было познавательно, интересно и привлекательно. Есть некий стереотип, что молодое поколение обязательно ждет цифровых решений. Или пресловутого «вау-эффекта». Скорее имеет смысл говорить не о конкретных решениях, а о глубине проработки посетительского опыта, который начинается по сути еще до того, как посетитель зашел на саму экспозицию.
— Какой совет Вы можете дать начинающим специалистам музейной сценографии?
— Комплексных программ по музейной сценографии или музейному проектированию пока еще нет в российских вузах. В это направление сегодня приходят из разных сфер — из музеологии, из информационных технологий, из архитектуры и дизайна. Всем специалистам, которые хотят развиваться в этой сфере, можно посоветовать развивать системное мышление, чтобы разрабатывать структуры сложных произведений, коммуникативные навыки (умение сформулировать задачу, объяснить ее рабочей группе, управлять процессом), насмотренность. Главное же — желание делать «шаг в сторону» других дисциплин, т.е. стремиться разбираться во всех инструментах, которые могут смыслово и визуально обогатить проект.
